Blues Piano

ブルース・ピアノは、アメリカ南部でピアノが置かれたあらゆる場所で育ちました。バレルハウス、ジューク・ジョイント、伐採キャンプの酒場で、ピアニストたちは12小節の形式を、打楽器的で自足したものに練り上げたのです。一人でバンド全体をやらなければならないので、この様式は仕事を両手に分けました。左手には安定して転がる音型、右手にはブルー・ノート、押し潰した装飾音、そして呼びかけと応答のフレーズ。形式は説明するのは簡単で、実践では果てがありません。だからこそ、演奏され続けてきました。

この様式の最初の大流行はブギウギでした。Jimmy Yancey、Meade "Lux" Lewis、Albert Ammons、Pete Johnson といったピアニストが、リフを刻む右手の下で一小節八つの左手のパターンを駆り立て、1938年に Carnegie Hall で行われた「From Spirituals to Swing」の演奏会が、彼らの家賃稼ぎパーティーの様式を全国的な熱狂に変えました。その傍らには、より遅い伝統もありました。Chicago の Otis Spann のような奏者による深夜のブルースで、そこで問われるのは速さではなく重みです。ひと握りの音に、どれだけの感情を掛けられるか。

ブルースの語彙は、その後に来たほとんどすべてを支えています。ジャズ・ピアニストは何かを率直に言いたいときいつでもそこに寄りかかりますし、ロックンロールのピアノは大きな音で弾かれたブルース・ピアノです。これらの曲を両手別々に学ぶことは、この言語が実際どう働いているかを理解する最も早い方法のひとつです。左手はグルーヴの楽器、右手は歌い手、そしてそのあいだの12小節は、見た目よりずっと広い場所を持っています。