Blues Piano

El piano de blues creció allí donde hubiera un piano en el sur de Estados Unidos: en barrelhouses, juke joints y bares de campamentos madereros, donde los pianistas trabajaron la forma de doce compases hasta volverla percusiva y autosuficiente. Un solo músico tenía que ser la banda entera, así que el estilo repartió el trabajo entre las manos: una figura ondulante y constante en la izquierda contra blue notes, notas de adorno machacadas y frases de llamada y respuesta en la derecha. La forma es sencilla de describir e inagotable en la práctica, y por eso nunca se ha dejado de tocar.

El primer gran auge del estilo fue el boogie woogie. Pianistas como Jimmy Yancey, Meade "Lux" Lewis, Albert Ammons y Pete Johnson impulsaban patrones de mano izquierda de ocho por compás bajo manos derechas construidas sobre riffs, y el concierto "From Spirituals to Swing" de 1938 en el Carnegie Hall convirtió su estilo de rent party en una fiebre nacional. En paralelo corría la tradición más lenta, el blues de madrugada de músicos como Otis Spann en Chicago, donde lo que cuenta no es la velocidad sino el peso: cuánto sentimiento puede colgar un pianista de un puñado de notas.

El vocabulario del blues es estructural en casi todo lo que vino después. Los pianistas de jazz se apoyan en él siempre que quieren decir algo con llaneza, y el piano del rock and roll es piano de blues tocado más alto. Aprender estas piezas con las manos por separado es una de las vías más rápidas para entender cómo funciona de verdad el lenguaje: la mano izquierda es un instrumento de groove, la mano derecha es un cantante, y los doce compases que hay entre medias tienen más sitio del que parece.